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Una verdad universal
Hablemos de Luz. Una sección de La Chica de Luces.
Hola a
todos, me presento antes de nada. Soy Emilia Picazo, también
conocida en redes sociales como La Chica de Luces. Ésta es mi
primera entrada en el blog de ProStudio360 y llevaba varios días
dándole vueltas a la cabeza para ver con que podía empezar. Al
final, no ha ganado ninguna de las ideas que tenía en la cabeza
porque he preferido hablar de una verdad universal de la que se habla
poco en el mundo de la fotografía y lo voy a soltar así de
sopetón, como un jarro de agua fría, ahí va: LA CÁMARA NO HACE AL
FOTÓGRAFO. Ala, ya lo he dicho.
Cansada estoy de escuchar eso de “¡menudas fotografías hace tu cámara!” o “¡con esa cámara no puede salir ninguna foto mal!”. Pues no señores, ni las fotografías las hace mi cámara ni todo sale bien con la misma.
Y como ésta es una verdad inversamente proporcional, tampoco todo aquel que tiene una cámara réflex es fotógrafo.
Y como ésta es una verdad inversamente proporcional, tampoco todo aquel que tiene una cámara réflex es fotógrafo.
Para empezar, la fotografía es saber ver las cosas de otra manera. Ser creativo y buscar tu propio punto de vista. La creatividad no te la da la 5D Mark III por muchas cosas chulas que traiga de fábrica, la creatividad está en ti. Y eso se potencia viendo muchas fotos y observando mucho.
Me he dado cuenta que entre fotógrafos (casi más entre aficionados que profesionales) existe una gran competitividad para ver quién tiene el equipo más caro y más cachivaches en sus mochilas y yo sinceramente pienso que es un gran error. Creo que en la fotografía se debe antes aprender a poner el ojo que a poner el dinero del bolsillo. Mis primeros retratos estaban iluminados con el flexo de mi escritorio y así aprendí mucho de luz continua para después, con el tiempo, comprarme unas luces en condiciones.
A lo que quiero llegar, es que el material no te va a dar conocimientos. Ensaya. Prueba. Equivócate. Vuelve a probar. No dejes de buscar enfoques diferentes. Tírate al suelo si hace falta para hacerle un retrato al perro. Súbete a una silla. Pon delante del objetivo un vaso para distorsionar. Juega a subexponer y sobreexponer. Haz largar exposiciones dejando la cámara apoyada en el suelo o en una papelera, sin usar trípode. Haz cualquier cosa que se te ocurra.
Y sobre todo, ve muchas fotografías. Vale internet, libros, exposiciones, cuadros, películas, incluso Instagram. Pero empápate de fotografía. De imágenes. Piensa cómo lo harías tú. Intenta hacerlo tú.
Y si eres fotógrafo te reto. Te reto a que en tu próximo viaje de placer no te lleves tu equipo fotográfico completo. Al principio sentirás que te falta algo, pero volverás a agudizar tu ojo y es un ejercicio que nos sienta bien. Este verano no he sacado mi cámara de la mochila y estoy muy contenta con las fotografías que he hecho. Y para que veáis que no miento, aquí os dejo algunas de las fotografías que he hecho este verano y ninguna con la cámara réflex.
Y sobre todo, ve muchas fotografías. Vale internet, libros, exposiciones, cuadros, películas, incluso Instagram. Pero empápate de fotografía. De imágenes. Piensa cómo lo harías tú. Intenta hacerlo tú.
Y si eres fotógrafo te reto. Te reto a que en tu próximo viaje de placer no te lleves tu equipo fotográfico completo. Al principio sentirás que te falta algo, pero volverás a agudizar tu ojo y es un ejercicio que nos sienta bien. Este verano no he sacado mi cámara de la mochila y estoy muy contenta con las fotografías que he hecho. Y para que veáis que no miento, aquí os dejo algunas de las fotografías que he hecho este verano y ninguna con la cámara réflex.
El objeto a fotografiar debe estar iluminado
Novadefotografía. Una sección de Rafa González-García.
Aunque pueda parecer innecesario por lo obvio, saber el significado de la palabra fotografía nos revela la más importante lección: el objeto a fotografiar debe estar bien iluminado. Es costumbre pensar que podemos fotografiarlo todo; pero aunque es cierto, si aquello que queremos recoger en nuestra cámara no goza de la iluminación óptima y suficiente, bien de forma natural o artificial, el resultado no será el esperado. ¿Por qué sucede esto? Básicamente porque creemos que la cámara de fotos procesa la información de la misma forma que nuestro ojo humano, y no es así. El rango dinámico y la capacidad de ver que posee el hombre (y otros animales) es superior a cualquier aparato. Además de que la medición de la luz es diferente. Me explico.
Seguro que habrás intentado hacer una fotografía a alguien en la ventana, como el famoso cuadro de Dalí Figura en una finestra. Esto se llama «contraluz» y es una de las situaciones más difíciles de solventar debido a que la luz es tomada o medida, o del vano, o de la parte interior de la habitación. De tal modo, si elegimos la primera opción, el interior saldrá oscuro (subexpuesto), y si optamos por tomar la luz de dentro, la ventana sabrá con demasiada luz (sobrexpuesta o quemada). Si a esto le sumamos que generalmente disparamos nuestros aparatos fotográficos en el modo automático, cualquiera sabe cuál puede ser el resultado…
El ejemplo de contraluz en la ventana es uno de los más extremos, pero a veces creamos este tipo de situaciones o parecidas de manera innecesaria. Cuando alguien te pide que le hagas una foto, por regla general, te llevas la cámara al ojo (si tiene visor óptico, pues la moda actual es ver a través de la pantalla) y clic. Si haces esto corres el riesgo de no situar correctamente a la persona a quien deseas tomar el retrato. Si ésta se posiciona con el sol o la luz principal tras de ella, a no ser que salte el flash (y si está lo suficiente cerca como para que le alcance su luz), la cara y el resto del cuerpo aparecerán oscuras (subexpuestas). Procura, siempre que puedas, situarte con el sol o la fuente de luz a tu espalda, y el sujeto u objeto que quieres captar bien iluminado.
Otro consejo importante, especialmente para quien revela las fotos en color es saber a qué hora del día y en qué condiciones hacerlas. Si el cielo está despejado cuando el sol está en su apogeo, la luz es demasiado fuerte y crea contrastes que perjudican la toma. La temperatura de color (sintetizando mucho, más amarillenta o más azulona) y las tonalidades son más suaves, cálidas y bellas cuando amanece y al atardecer. Esos tonos rojizos se deben a la forma de las ondas de color rojo, que llegan más lejos que el resto. Si el cielo está nublado atenúa a cualquier hora la fuerza de los rayos solares, por lo que podríamos hacer fotos a cualquier hora, aunque tampoco gozaríamos de la misma situación que cuando comienza y termina el día. En tal caso, con nubes, los tonos son más plomizos aunque mejores que a plena luz del mediodía.
Con la fotografía en blanco y negro el momento en que se hace la toma importa algo menos, de ahí que muchos fotoperiodistas deciden este estilo porque no pueden elegir el momento en el que suceden los hechos.
Recuerda, fotografía significa escribir con luz, de modo que si estás a oscuras o tienes poca iluminación, es como si tuvieras una pluma sin tinta o a punto de gastarse.
Artículo original en Novadehistoria.com: ¡Haz click aquí!
La softbox como elemento clave en el estudio (Parte 1)
Desde Plaza Arriola. La Editorial de ProStudio360, por Javi Rando.
Muchos acuden a nuestra tienda con dudas sobre los modificadores de luz con los que acompañar su equipo de flashes. Generalmente, se tienen conceptos muy básicos y confusos de lo que aporta cada uno de ellos. Por eso hemos decidido hoy arrojar un poco de luz, nunca mejor dicho, sobre el principal de ellos: la softbox o ventana de luz.
Una softbox, básicamente, es un accesorio que permite suavizar la luz del flash, haciéndola más difusa y también más direccional.
El flash o fuente de luz se sitúa en el interior del softbox y esta luz, al tener que pasar por una o varias capas traslúcidas, acaba actuando sobre la escena de forma más difusa y natural. También es más suave porque la luz va a ocupar más superficie de la escena.
En cuanto a la direccionalidad, se consigue porque el softbox es una especie de caja con una sola salida de luz, el resto es opaco, y con un interior reflectante, por lo que la luz sale exclusivamente en la dirección marcada.
Para conseguir una mayor difusión tienes que tener en cuenta:
1. El número de capas traslúcidas que la luz atraviesa hasta incidir sobre el sujeto fotografiado. Algunos softboxes incluyen una capa traslúcida intermedia antes de la externa para tratar de hacer aún más difusa la iluminación.
2. El tamaño del softbox y la cercanía al sujeto. De este modo, a mayor tamaño y más cercanía al sujeto, se logra que la luz sea más grande, envuelva al sujeto y su resultado sea más natural.
Una softbox, básicamente, es un accesorio que permite suavizar la luz del flash, haciéndola más difusa y también más direccional.
El flash o fuente de luz se sitúa en el interior del softbox y esta luz, al tener que pasar por una o varias capas traslúcidas, acaba actuando sobre la escena de forma más difusa y natural. También es más suave porque la luz va a ocupar más superficie de la escena.
En cuanto a la direccionalidad, se consigue porque el softbox es una especie de caja con una sola salida de luz, el resto es opaco, y con un interior reflectante, por lo que la luz sale exclusivamente en la dirección marcada.
Para conseguir una mayor difusión tienes que tener en cuenta:
1. El número de capas traslúcidas que la luz atraviesa hasta incidir sobre el sujeto fotografiado. Algunos softboxes incluyen una capa traslúcida intermedia antes de la externa para tratar de hacer aún más difusa la iluminación.
2. El tamaño del softbox y la cercanía al sujeto. De este modo, a mayor tamaño y más cercanía al sujeto, se logra que la luz sea más grande, envuelva al sujeto y su resultado sea más natural.
Lecciones de fotografía
Pensamientos de fotografía. Una sección de Cruz Santos.
Tengo que confesaros algo. No soy de las que devoran libros de fotografía para aprender. Posiblemente muchos os echaréis las manos a la cabeza y me diréis que estoy cometiendo un gravísimo error y que mi aprendizaje fotográfico se verá muy limitado; y tendréis razón. Pero más allá de leer el manual de mi cámara (lectura recomendable y hasta necesaria) y echarle un vistazo a algún que otro libro teórico sobre maneras de componer, luz, etc, mi aprendizaje fotográfico se ha basado, de forma general, en la observación del trabajo de otros fotógrafos, aficionados y profesionales, a través de internet, básicamente. Por suerte, hoy día tenemos la suerte de contar con esta gran herramienta que nos permite acceder de forma inmediata a la obra de multitud de artistas. Es decir, tenemos la facilidad de mirar, mirar y mirar de forma incansable imágenes de todos los tipos, colores y motivos. Siempre he creído que esta era la manera más eficaz de aprender.
Sin embargo, aunque ya he dicho que yo no soy muy de estudiar fotografía en los libros, hoy vengo a hablaros brevemente de uno (y no, no me llevo comisión por hacerlo). Un pequeño "curso de fotografía para jóvenes fotógrafos" como muy bien reza en su portada. "La visión fotográfica" de Eduardo Momeñe. Este libro me lo recomendó un amigo fotógrafo que de forma categórica me dijo: "Cruz, si quieres aprender fotografía, tienes que empezar por leerte este libro". Y eso hice. Un pequeño libro que podéis adquirir de forma económica (solo cuesta 14€) a través de la página del autor (http://www.afterphoto.com).
Contrariamente a lo que pensé en un principio, la visión fotográfica de Momeñe, no es un libro de fotografía al uso. Es un libro donde se habla de fotografía y fotografías, pero entre sus páginas no encontraréis ni una sola imagen. Momeñe te habla de forma directa y sencilla, te muestra el camino, te plantea preguntas y retos que muchas veces te harán dudar de tu capacidad, y sobre todo, te hará comprender cómo veían el mundo y trabajaban los grandes fotógrafos de la historia a los que cita de forma reiterativa a lo largo de las 150 páginas que componen esta pequeña obra maestra.
Porque este libro es, más que nada, una gran lección de fotografía. ¿Queréis aprender fotografía? ¿Queréis ser fotógrafos? Empezad por leer " La visión fotográfica" de Momeñe."
Sin embargo, aunque ya he dicho que yo no soy muy de estudiar fotografía en los libros, hoy vengo a hablaros brevemente de uno (y no, no me llevo comisión por hacerlo). Un pequeño "curso de fotografía para jóvenes fotógrafos" como muy bien reza en su portada. "La visión fotográfica" de Eduardo Momeñe. Este libro me lo recomendó un amigo fotógrafo que de forma categórica me dijo: "Cruz, si quieres aprender fotografía, tienes que empezar por leerte este libro". Y eso hice. Un pequeño libro que podéis adquirir de forma económica (solo cuesta 14€) a través de la página del autor (http://www.afterphoto.com).
Contrariamente a lo que pensé en un principio, la visión fotográfica de Momeñe, no es un libro de fotografía al uso. Es un libro donde se habla de fotografía y fotografías, pero entre sus páginas no encontraréis ni una sola imagen. Momeñe te habla de forma directa y sencilla, te muestra el camino, te plantea preguntas y retos que muchas veces te harán dudar de tu capacidad, y sobre todo, te hará comprender cómo veían el mundo y trabajaban los grandes fotógrafos de la historia a los que cita de forma reiterativa a lo largo de las 150 páginas que componen esta pequeña obra maestra.
Porque este libro es, más que nada, una gran lección de fotografía. ¿Queréis aprender fotografía? ¿Queréis ser fotógrafos? Empezad por leer " La visión fotográfica" de Momeñe."
La cámara y las estrellas
Una historia en cada imagen. Una sección de Irene Nuñez.
¡Hola a todos! Empiezo por primera vez a escribir en el Blog de ProStudio360. Espero que poco a poco os vaya gustando lo que hacemos y que de aquí a un tiempo todo el que lea se anime a compartir sus impresiones conmigo día a día.
Para el estreno he pensado en hablar de fotografía nocturna. ¿Por qué? Hasta hace poco intentaba hacer un gran trabajo en esta disciplina y el resultado nunca era como yo esperaba. Me puse conciencudamente a buscar y trabajar en base a ciertos tutoriales especializados; y creo que ya he sacado la esencia de este tipo de fotografías. Vosotros podéis comprobar el resultado.
En este primer ejemplo os muestro cómo era mi resultado anterior.
El primero y más importante de los consejos es que salgas de la ciudad. Intenta ir a un campo o algún pueblo que no tenga mucha luz, para que nuestra cámara no se vea perturbada por elementos lumínicos artificiales. El lugar donde se realizan las fotografías de este post es Pedrobernado, un pueblo de Ávila, que goza de una montaña y sitios espectaculares.
Después prueba a seleccionar un ISO bastante elevado y, sobre todo, con al menos unos 30 segundos para que nos empieze a dar un buen resultado.
Como podéis comprobar, usé los parámetros que os he comentado, pero al poner el objetivo en manual y al no tener ningún control sobre ello, la imagen acaba un poco borrosa. Tenemos que tener en cuenta también otros factores como la meteorología: el tiempo, las nubes, que no esté lloviendo y si la noche es despejada.
Y como último consejo, pero no menos importante, necesitamos seguro un trípode que sea fiable ya que no se nos puede mover nada.
Espero que os guste este primer post y lo que deseo es poder leer vuestros comentarios y saber qué otros consejos podéis darme vosotros a mi. ¡Nos leemos pronto!
Cómo montar un esquema de 4 flashes
Desde Plaza Arriola. La Editorial de ProStudio360, por Javi Rando.
Partiendo del esquema de tres luces que explicábamos en el post anterior, vamos a explicar cómo montar un equipo de cuatro flashes de estudio. Un montaje que tendrá consecuencias positivas y directas en nuestro trabajo.
A diferencia del esquema de tres luces, que se centra indiscutiblemente en el sujeto, con el de cuatro vamos a centrar parte de la atención en los elementos del fondo. Esta técnica se puede utilizar para eliminar sombras proyectadas, dibujar con una mayor atención el fondo y dar profundidad al sujeto.
1. Luz Principal: Como siempre, se trata del dispositivo con mayor potencia. Si hablamos de retrato, se recomienda el uso de una ventana octagonal con rejilla situado a la derecha
de la cámara y en una posición elevada, a 45 grados respecto a la
modelo.
2. Luz de Relleno: Se utiliza a modo de relleno, que sirve para compensar la fuerza de la Luz Principal.
3. Luz Trasera: Genera efecto deslumbramiento.
4. Luz de Fondo: Existen diversas variaciones: como puede ser el uso de 2 flashes como luz de fondo (en lugar de uno trasero) para crear un fondo completamente blanco. Se aconseja el uso de ventanas de luz o softboxes por sus propiedades difusoras.
La posición del sujeto es importante: una distancia dos o tres metros con respecto al fondo produce sólo un poco de rebote de la luz del fondo.
Puntos básicos del esquema de 3 luces
Desde Plaza Arriola. La Editorial de ProStudio360, por Javi Rando.
Hoy vamos a hablar sobre el archiconocido esquema de tres luces, que a pesar de ello sigue generando ciertas dudas. Sobre todo, en quien se inicia en el mundo de la fotografía. Vamos a revisar rápidamente el concepto de este esquema:
Luz 1 – Es la luz principal (keylight en inglés) y se utiliza para establecer el patrón de luz y los ajustes de exposición general. Una regla simple es que esta luz es la que apunta a la nariz del sujeto.
Luz 2 – Es la luz de relleno y se utiliza para rellenar las sombras creadas por la luz principal. Ésta luz debe fijarse a la misma o menor intensidad que la luz principal para que no emita sus propias sombras. Por lo general se utiliza a un 25 o 50% de la potencia de la principal.
Luz 3 – Es la luz de fondo (o separación) y se utiliza para separar visualmente al sujeto del fondo. Se coloca detrás del sujeto y puede ser dirigida tanto al fondo como al sujeto mismo.
Cuando se dirige hacia el fondo, se crea un área más clara detrás del sujeto para que este no se mezcle con el fondo, comúnmente lo conocemos como separación del fondo. Cuando se dirige hacia el sujeto que crea un “halo” o “borde” de luz alrededor del sujeto. Es este borde de luz el que separa al sujeto del fondo. El valor de la exposición es generalmente un poco más brillante que la luz principal, pero como todo, no está escrito en piedra y se puede modificar la potencia para encontrar el efecto deseado.
La gran mayoría de los fotógrafos principiantes nunca aplican el esquema de las tres luces a sus retratos, simplemente por el hecho de tener que montar y preparar el estudio para ello. Algunos incluso no lo hacen por tener solamente dos equipos. Una solución muy imaginativa en este último caso es utilizar un reflector para crear un tercer punto de luz.
Luz 1 – Es la luz principal (keylight en inglés) y se utiliza para establecer el patrón de luz y los ajustes de exposición general. Una regla simple es que esta luz es la que apunta a la nariz del sujeto.
Luz 2 – Es la luz de relleno y se utiliza para rellenar las sombras creadas por la luz principal. Ésta luz debe fijarse a la misma o menor intensidad que la luz principal para que no emita sus propias sombras. Por lo general se utiliza a un 25 o 50% de la potencia de la principal.
Luz 3 – Es la luz de fondo (o separación) y se utiliza para separar visualmente al sujeto del fondo. Se coloca detrás del sujeto y puede ser dirigida tanto al fondo como al sujeto mismo.
Cuando se dirige hacia el fondo, se crea un área más clara detrás del sujeto para que este no se mezcle con el fondo, comúnmente lo conocemos como separación del fondo. Cuando se dirige hacia el sujeto que crea un “halo” o “borde” de luz alrededor del sujeto. Es este borde de luz el que separa al sujeto del fondo. El valor de la exposición es generalmente un poco más brillante que la luz principal, pero como todo, no está escrito en piedra y se puede modificar la potencia para encontrar el efecto deseado.
La gran mayoría de los fotógrafos principiantes nunca aplican el esquema de las tres luces a sus retratos, simplemente por el hecho de tener que montar y preparar el estudio para ello. Algunos incluso no lo hacen por tener solamente dos equipos. Una solución muy imaginativa en este último caso es utilizar un reflector para crear un tercer punto de luz.
Los ojos del Filtro Polarizado
Desde Plaza Arriola. La Editorial de ProStudio360, por Javi Rando.
El uso del filtro polarizador está a la orden del día, pero suele generar también cierta confusión en quien no está habituado a usarlo. Nosotros te damos algunas directrices para que aprendas los beneficios de esta herramienta tan de moda entre fotógrafos.
Principales ventajas del Filtro Polarizado:
Muchos buscan en esta herramienta la posibilidad de eliminar reflejos que enturbian la fotografía. Un buen ejemplo puede ser en fotografiar el mar, donde el filtro te permite acceder a las riquezas del fondo marino.
Otra función es saturar los colores. Muy usado en fotografía de naturaleza, donde el azul del cielo o el verde de los árboles se vuelven más ricos. Además, sirve para oscurecer la escena si es necesario.
Uso correcto del Filtro Polarizado:
Instala el filtro en el objetivo. Verás que tiene dos lentes, una de ellas se mueve circularmente. Juega con ella, viendo como los reflejos se eliminan y vuelven a aparecer, así como los colores van saturándose y suavizándose.
Principales ventajas del Filtro Polarizado:
Muchos buscan en esta herramienta la posibilidad de eliminar reflejos que enturbian la fotografía. Un buen ejemplo puede ser en fotografiar el mar, donde el filtro te permite acceder a las riquezas del fondo marino.
Otra función es saturar los colores. Muy usado en fotografía de naturaleza, donde el azul del cielo o el verde de los árboles se vuelven más ricos. Además, sirve para oscurecer la escena si es necesario.
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| Foto: Flickr |
Instala el filtro en el objetivo. Verás que tiene dos lentes, una de ellas se mueve circularmente. Juega con ella, viendo como los reflejos se eliminan y vuelven a aparecer, así como los colores van saturándose y suavizándose.
Solo te rogamos que tengas cuidado ya que tu fotografía puede quedar demasiado saturada y, por tanto, irreal.
Artículo original: Ainara García, en Naturpixel
Fotografías de Verano
Pensamientos de fotografía. Una sección de Cruz Santos.
Ahora que estamos en el mes por excelencia de las vacaciones, seguro que mucho de vosotros estáis cerca del mar aprovechando unos días de relax. Entre baño y baño, es buen momento para coger la cámara y practicar y estos son unos días muy propicios para hacer buenas fotos y volver a casa además de con un buen bronceado, con un repertorio de imágenes fantásticas para el recuerdo. Los atardeceres en el mar nos otorgan una postal inigualable para inmortalizar.
Aprovechad la luz dorada y los contraluces que produce el sol cuando está en lo más bajo, mucho más atenuados que cuando luce en todo lo alto con una luz mucho más dura. Los reflejos en el agua, las sombras, los contrastes, incluso los temas a fotografiar son más variados. Siluetas a la orilla del mar, gaviotas volando a ras del agua, barcos, faros... ¿Y hay algo más bonito y bucólico que la luna llena con sus reflejos de plata sobre el mar? Es una buena oportunidad para practicar la fotografía nocturna.
Pero cuidado, sacar la cámara a la playa tiene sus riesgos. La arena, o el salitre del mar no son buenos amigos de nuestra cámara. ¿Fotografiar gente sin su permiso? Ya sabemos los problemas que acarrea, así que primero asegúrate de tener su consentimiento o procura no sacar caras reconocibles; por supuesto, olvídate de fotografíar a niños pequeños que suelen corretear desnudos ajenos a cualquier peligro.
Teniendo en cuenta estos pequeños detalles, deja volar la imaginación y disfruta de un largo paseo con tu cámara colgada al cuello, no hay fotografía que no puedas hacer.
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De viajes y fotografías
Pensamientos de fotografía. Una sección de Cruz Santos.
Viajar es hacer fotografías. Y hacer fotografías durante los viajes, puede llegar a convertirse en una tarea ardua. Queremos traernos muchas fotos y que sean buenas para dejar constancia de dónde hemos estado y qué hemos visto, y que cuando volvamos, podamos enseñárselas a nuestros amigos y familiares, y sin embargo, no siempre lo logramos, a no ser que seas el adalid de la fotografía de viajes. Por lo general hay muchas cosas que ver en muy poco tiempo.
El primer handicap con el que nos encontramos es el equipo. ¿Qué objetivos me llevo? ¿Utilizaré el trípode? ¿Meto en la mochila los flashes, los filtros...? Al final, vamos cargando con un pesado equipo fotográfico que la mayoría de las veces no usamos, porque no tenemos el tiempo material para ello, por lo que mi modesto consejo dado desde mi experiencia, si vas a hacer un viaje donde vas a dedicar el día a recorrer y visitar sitios históricos (mucho más si vas en grupo), es que vayas ligero de equipaje y disfrutes de las vistas. Coge la cámara, tu objetivo más versátil, llévate varias tarjetas, un par de baterías, y a disfrutar.
No te obsesiones con querer sacar la foto perfecta, porque lo más probable es que no lo consigas y termines frustrado. Ni la gente que tienes alrededor te lo va a permitir. Siempre vas a tener cientos de cabezas, brazos y piernas o mochilas interponiéndose entre tú y el objeto a fotografiar. Así que échale paciencia. Si vas a esperar a que el lugar se quede vacío, suerte. Puede que lo consigas por una décima de segundo después de esperar como mínimo media hora. Captura un bonito recuerdo del lugar, y sigue adelante. Disfruta de lo que ves, de la experiencia de tus sentidos cuando estés delante de "La Piedad" de Miguel Ángel, o en los jardines de Versailles. No hay nada como admirar el paisaje, ningún recuerdo será mejor que el que se queda grabado en tu retina y tu cerebro. Y después, enfoca y dispara. Esa será tu mejor fotografía.
El primer handicap con el que nos encontramos es el equipo. ¿Qué objetivos me llevo? ¿Utilizaré el trípode? ¿Meto en la mochila los flashes, los filtros...? Al final, vamos cargando con un pesado equipo fotográfico que la mayoría de las veces no usamos, porque no tenemos el tiempo material para ello, por lo que mi modesto consejo dado desde mi experiencia, si vas a hacer un viaje donde vas a dedicar el día a recorrer y visitar sitios históricos (mucho más si vas en grupo), es que vayas ligero de equipaje y disfrutes de las vistas. Coge la cámara, tu objetivo más versátil, llévate varias tarjetas, un par de baterías, y a disfrutar.
No te obsesiones con querer sacar la foto perfecta, porque lo más probable es que no lo consigas y termines frustrado. Ni la gente que tienes alrededor te lo va a permitir. Siempre vas a tener cientos de cabezas, brazos y piernas o mochilas interponiéndose entre tú y el objeto a fotografiar. Así que échale paciencia. Si vas a esperar a que el lugar se quede vacío, suerte. Puede que lo consigas por una décima de segundo después de esperar como mínimo media hora. Captura un bonito recuerdo del lugar, y sigue adelante. Disfruta de lo que ves, de la experiencia de tus sentidos cuando estés delante de "La Piedad" de Miguel Ángel, o en los jardines de Versailles. No hay nada como admirar el paisaje, ningún recuerdo será mejor que el que se queda grabado en tu retina y tu cerebro. Y después, enfoca y dispara. Esa será tu mejor fotografía.
La inspiración como fuente de trabajo fotográfico
Pensamientos de fotografía. Una sección de Cruz Santos.
Cientos de veces me ha pasado que he dicho: "¡hoy no estoy inspirada!" y he dejado la cámara guardada un tiempo, y han llegado a pasar meses, hasta que he vuelto a sentir "la llamada de las musas". Incluso para escribir este artículo necesito que se encienda esa bombillita en mi cabeza para que las ideas salgan con fluidez. Si no tengo inspiración, voy a escribir igualmente el artículo porque sé escribir y tengo la técnica necesaria para ello, pero puede que tarde más en encontrar las palabras adecuadas para expresarme.
Es cierto que no podemos depender exclusivamente de la inspiración para escribir un artículo o hacer una fotografía, pues ¿qué sería de los grandes profesionales entonces? ¿Dejarían de hacer un trabajo solo porque no están inspirados? Sería absurdo. Un profesional o incluso un aficionado, tiene el conocimiento y la técnica suficiente para hacer fotografías sin eso que llamamos "inspiración". Alguien que sepa un mínimo de fotografía sabe componer, enfocar y disparar y tomar una imagen correcta sin necesidad de hacer uso del genio artístico. El talento es innato, pero también se puede cultivar y hay medios para ello, lo que nos facilita un poco las cosas cuando nos sentimos faltos de entusiasmo creativo.
Pero sin inspiración, una fotografía, una obra literaria o musical, una pintura, cualquier tipo de manifestación artística, está carente de alma. El trabajo del fotógrafo, del artista en general, es expresar lo que ve, lo que siente desde su propia óptica personal, dar a conocer al mundo su punto de vista, y eso no se puede hacer solo con la técnica porque sería una repetición innecesaria, carente de valor, de aquello que vemos a diario. Si queremos ser diferentes, hacer algo que no hayan hecho los demás, hace falta una buena dosis de inspiración, de talento, de genio artístico para plasmar de forma particular y subjetiva, aquello que nos remueve el interior y poder expresarlo al mundo. Y eso en fotografía, es fundamental.
Enseñando a los clientes
Entre arte y negocio. Una sección de Felipe Passolas.
Todos sabemos el drama que supone ser autónomo en este país, extrapolable a nuestros vecinos mediterráneos. La cosa no va a cambiar. Los que nacimos en los 70 ya lo tenemos difícil para poder cotizar una pensión parecida a la de nuestros padres (¡y os lo dice uno que como técnico de inversiones ha visto mucho!). Así que no solo los fotógrafos lo tenemos duro, sino toda nuestra generación y las venideras. Como a estas alturas nadie nos va a sacar las castañas del fuego quería daros algunos motivos positivos para ser autónomo.
Aunque en la cultura en la que me crie el trapicheo está tolerado, y en muchos casos hasta bien visto, también se asocia a éxito y prosperidad estar a bien con el Estado. Da buena imagen que te pidan un presupuesto y poder entregar una factura. Es caro ser autónomo pero para los que empezáis hay una nueva cuota de sólo 53 euros mensuales que, aunque solo dura algunos meses, es un comienzo.
Aunque en la cultura en la que me crie el trapicheo está tolerado, y en muchos casos hasta bien visto, también se asocia a éxito y prosperidad estar a bien con el Estado. Da buena imagen que te pidan un presupuesto y poder entregar una factura. Es caro ser autónomo pero para los que empezáis hay una nueva cuota de sólo 53 euros mensuales que, aunque solo dura algunos meses, es un comienzo.
Para aquellos que queréis cambiar de sector o comenzar por cuenta propia es una opción muy viable. Hay una diferencia considerable con los más de 300€ que se vienen pagando. Os dejo un enlace donde podéis encontrar información.
El otro motivo estrechamente relacionado es que con una estructura legal como fotógrafos siempre podréis aspirar a subir de nivel buscando clientes más grandes, pymes y otras empresas. Ampliar vuestro mercado, presentar presupuestos y plantear servicios.
Sigo pensando que cuantos más fotógrafos seamos dando guerra y enseñando al cliente que hay que pagar facturas, que nuestro trabajo cuenta, esas cuotas de autónomos que hoy pagamos con esfuerzo tendrán resultado. Muchos profesionales lo mencionan, pagar una cuota les obliga a ponerse más las pilas para buscar clientes y además aspiran a clientes más grandes.
El ventajoso mundo de los Fondos de Papel
Desde Plaza Arriola. La Editorial de ProStudio360, por Javi Rando.
Una de las principales preguntas a las que se tiene que responder un fotógrafo que quiere montar un estudio es "¿Qué fondo es el que voy a comprar?". Parece sencillo... pero elegir entre materiales como vinilo, papel o tela, o incluso pintura sobre la superficie de pared, es una duda más que razonable.
Hoy os vamos a hablar de los fondos de papel de la marca Tetenal Savage. Una reconocida marca americana que se empieza a imponer en los principales mercados de Europa por su excente calidad y su módico precio. Y que puedes encontrar en ProStudio360, claro.
¿Por qué elegir papel frente a otros materiales? Bueno, el papel tiene sus pros y contras, las cuales son muy claras y comprobables. ¡Vamos a verlas!
- Con respecto al vinilo, la principal ventaja es el precio. Normal dado que el papel es producto perecedero (se gasta y se rompe), mientras que el vinilo es de durabilidad alta o muy alta. Los que eligen papel frente a vinilo lo hacen, sobre todo, por la posibilidad de tener colores distintos (rojo, azul, verde...) a los que se les va a dar un uso esporádico.
- En cuanto a la tela hablamos de usos de comodidad. El papel jamás se arruga y, además, gracias a su núcleo de cartón permite ser enrrolado/desenrrollado con los sistemas de fondos.
Una serie de usos que nos van a llevar desde la fotografía de retrato (una o varias personas) hasta la de producto. Incluso, por qué no, del uso en videografía para tutoriales, blog interactivos y la técnica chromakey.
Esta es la gama de opciones que ofrece ProStudio360:
- Distintos colores: Blanco, Negro, Verde, Azul, Rojo, Gris Claro y Gris Oscuro
- Pequeños tamaños: Blanco y Negro
- E incluso algunos kits que incluyen soportes portátiles e iluminación
Esta es la gama de opciones que ofrece ProStudio360:
- Distintos colores: Blanco, Negro, Verde, Azul, Rojo, Gris Claro y Gris Oscuro
- Pequeños tamaños: Blanco y Negro
- E incluso algunos kits que incluyen soportes portátiles e iluminación
Storyboard, esquemas y notas
Entre arte y negocio. Una sección de Felipe Passolas.
Son muchos los detalles que tenemos que tener en cuenta a la hora de llevar a cabo una sesión para un cliente, ya sea de producto o con modelos. Lo mismo sucede cuando trabajamos con un equipo de profesionales: maquillaje, peluquería, vestuario... Con el tiempo y a base de cometer errores irás aprendiendo todo acerca de tu sector.
A mi me ayuda escribir mis notas antes de la sesión, aprender a planearlo todo antes por escrito. Un checklist de material, por ejemplo. Empiezo por poner claras las ideas. Dibujo mi esquemas de luces. Intento tener todo disponible en un golpe de vista y poder repasarlo durante la sesión si es necesario para no desviarme de mi objetivo. Utiliza tu iPad, una App, o el papel y lápiz de toda la vida, pero esquematizar tu trabajo te servirá para no olvidar detalles y tener una rutina de trabajo en la sesión.
B/N o Color
Pensamientos de fotografía. Una sección de Cruz Santos.
Ver el mundo en blanco y negro no es fácil, porque nuestro ojo está acostumbrado al color. Pero cuando descubres las posibilidades artísticas y expresivas y la gama tan amplia de grises que ofrece la fotografía en blanco y negro, ya resulta muy difícil volver a la policromía.
Me encanta la fotografía en color, la luz, la diversidad tan inmensa de colores que ofrece la naturaleza, la viveza que transmite, pero la fotografía en blanco y negro, su expresividad, el universo de emociones al que me traslada... eso es otro mundo que estoy descubriendo ahora.
¿Multiblitz P o V?
Desde Plaza Arriola. La Editorial de ProStudio360, por Javi Rando.
Resulta que en un origen, Multiblitz sólo tenía un tipo de montura: la V-Type. Pero en su afán por crear un dispositivo más compacto y pequeño dio origen al Profilite y de ahí a la montura P-Type. Hoy, ambos coexisten, suponiendo una duda más que entendible entre los consumidores de Multiblitz.
¿Cuál es la diferencia entre ambos?
Como se puede ver en la imagen de arriba, el Anillo P-Type (izquierda) tiene un diámetro interior más pequeño de aprox. 9,5 cm, tiene 4 dientes estrechos y es muy compacto. El montaje V-Type tiene un diámetro de aproximadamente 12,5 cm, 4 dientes anchos y es más robusto.
A continuación te adjuntamos una lista con las monturas según el modelo de tu flash.
Multiblitz P-Type
- Profilux, Proxilux Eco, Plus y Classic
- Compact Plus
- Pro X
- Digi X
- Digilite
- Profilite y Profilite Compact
- CompactLite
- Minilite
Multiblitz V-Type
- X-System
- Xenolux
- Varilux
- Varispot
- Variolite y Variolite Compact
- Vari
- StudioLite
- Mini-Studio
Seguro que ahora lo tienes más claro a la hora de elegir tus accesorios, ya sea para Multiblitz P o Multiblitz V.
Valor añadido & Target Price para fotógrafos
Entre arte y negocio. Una sección de Felipe Passolas.
Yo tengo claro que mis trabajos fotográficos de bodas tienen que ser elegantes, emotivos y limpios; y que mis trabajos de documentales: emocionantes, que contengan un componente humano y de riesgo que las haga resaltar. Ese es mi objetivo al hacer fotos en estos dos campos. Para publicidad, en bodegones, tengo un objetivo de lo que pretendo que sea mi fotografía y así se lo demuestro al cliente para que el lo vea.
Como otro ejemplo de valor añadido intento superar los tiempos de entrega de todos los fotógrafos que veo en el mercado. Si alguien entrega una boda al mes de realizarse, yo cuadro mis tiempos para tardar sólo 15 días. ONo será valor añadido si ya es el estándar de tu industria, es decir si todos los fotógrafos de tu zona de competencia, entregan el trabajo a 15 días: valor añadido será cuando superes ese estándar.
Otra herramienta imprescindible para que consigas superarte o simplemente saber que objetivos tienes que cumplir cada días es una tabla con ingresos objetivos a conseguir: seguirá y repasarla periódicamente. Los autónomos, pequeñas empresas, aquellos que somos nuestros propios jefes, no tenemos un director de riesgos que nos diga cuándo, cuánto y cómo tenemos que trabajar. Por eso es imprescindible que tengamos disciplina.
Calcula cuánto necesitas para vivir, cuánto inviertes y amortizas en equipo para saber que ingresos mensuales mínimos necesitas. No debes irte a la cama pensando, a ver si mañana gano dinero; debes irte a la cama pensando "mañana tengo que ganar 36,36 euros para conseguir un sueldo de 800 euros en 22 días de trabajo". Esto es sólo un ejemplo de cómo tu eres tu propio jefe y el responsable de tus finanzas.
Recuerda que nadie mejor que tu para estar detrás de la cámara y delante del ordenador, para saber cuales son tus costes y cuánto necesitas para vivir gracias a tu pasión por la fotografía.
Fotógrafo activo; cliente, también
Entre arte y negocio. Una sección de Felipe Passolas.
No han sido pocas las ocasiones que algún invitado de una boda me ha mirado por encima del hombro: estaba en una boda de postín, él era un invitado VIP y yo el chico de las fotos. Infravalorar a una persona en función del conocimiento que tenemos sobre su categoría profesional es un mal endémico. No sólo de España, igual ocurre en los países del norte.
Suelo combatir estos obstáculos esforzándome en que mis clientes entiendan que ellos contratan mi tiempo, no solo una foto o el acto de presionar el botón. Y luego hay que tener en cuenta que los servicios fotográficos son un mundo muy amplio.
Por ejemplo, si vas a un evento con invitados extranjeros, el hecho de que hables idiomas es una cualidad extra. Obviamente tu cliente debe valorarlo porque podrás trabajar e interactuar con fluidez, y eso repercutirá en la calidad del trabajo. Es un ejemplo sencillo.
Lo mismo ocurre si tienes nociones de publicidad y te encargan fotos para producto o fotos para una anuncio o promoción. Son detalles que cuentan y que debes ponerlos sobre la palestra. Muchas veces realizamos estas tareas y no se valoran. A mi me gusta dedicarle algo de tiempo para mencionarlo. Les digo cuando me contratan que quiero ser un activo para ellos, que no solo contratan un fotógrafo.
Muchas veces compramos el producto o servicio que no es el adecuado. Nosotros debemos vender de un modo honesto, pero el cliente también debe esforzarse y realizar su propia due dillegence (investigación de empresa).
Seguro que habéis escuchado a alumnos que se quejan de un taller de fotografía que les decepcionó. ¿Culpa del profesor? Probablemente, pero también es culpa del cliente porque no valoramos en que invertimos nuestro dinero en formación. Esa formación que luego te sirve para generar argumentos de cara al cliente. Ojo a la relación.
Es difícil vender pero tiene más trabajo del que aparenta ser un buen cliente. Cuanto más investiguemos mejor contrataremos y mejor seremos contratados.
Suelo combatir estos obstáculos esforzándome en que mis clientes entiendan que ellos contratan mi tiempo, no solo una foto o el acto de presionar el botón. Y luego hay que tener en cuenta que los servicios fotográficos son un mundo muy amplio.
Por ejemplo, si vas a un evento con invitados extranjeros, el hecho de que hables idiomas es una cualidad extra. Obviamente tu cliente debe valorarlo porque podrás trabajar e interactuar con fluidez, y eso repercutirá en la calidad del trabajo. Es un ejemplo sencillo.
Lo mismo ocurre si tienes nociones de publicidad y te encargan fotos para producto o fotos para una anuncio o promoción. Son detalles que cuentan y que debes ponerlos sobre la palestra. Muchas veces realizamos estas tareas y no se valoran. A mi me gusta dedicarle algo de tiempo para mencionarlo. Les digo cuando me contratan que quiero ser un activo para ellos, que no solo contratan un fotógrafo.
"Vender es algo muy difícil, pero ser cliente tampoco es fácil"
Muchas veces compramos el producto o servicio que no es el adecuado. Nosotros debemos vender de un modo honesto, pero el cliente también debe esforzarse y realizar su propia due dillegence (investigación de empresa).
Seguro que habéis escuchado a alumnos que se quejan de un taller de fotografía que les decepcionó. ¿Culpa del profesor? Probablemente, pero también es culpa del cliente porque no valoramos en que invertimos nuestro dinero en formación. Esa formación que luego te sirve para generar argumentos de cara al cliente. Ojo a la relación.
Es difícil vender pero tiene más trabajo del que aparenta ser un buen cliente. Cuanto más investiguemos mejor contrataremos y mejor seremos contratados.
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| PhotoWalk en Granada, imagen de Vicente Oya J. |
Yo también fui un fotógrafo 'eBay'
Entre arte y negocio. Una sección de Felipe Passolas.
La fotografía como herramienta de venta es algo que todos conocemos, pero normalmente solo le damos importancia en grandes campañas de grandes marcas y fotógrafos igual de enormes. Realmente no debe importarnos que tu comercio sea grande o pequeño, si tus fotos son de calidad, crecerás de forma exponencial comparándote contigo mismo.
Yo descubrí la utilidad de la fotografía de producto de un modo muy práctico. En una mudanza desenterré muchos juguetes de cuando era pequeño (o no tanto) con el objetivo de venderlos por eBay. Hace diez años no era tan popular hacer esto, pero hoy es un boom en todo el mundo (cotiza en el Nasdaq GS a unos 52$).
Durante mucho tiempo subasté mis pequeñas colecciones de la Guerra de las Galaxias, cómics, He-Man, Tentes, Airgamboys, etc. Sin éxito... No vendía casi nada. Hasta que le dediqué tiempo y seguí unos sencillos pasos:
- No poner nunca fotos borrosa o movidas.
- Utilizar un fondo liso y sencillo.
- Tomar fotografías desde varios ángulos.
- Tener una buena iluminación.
No siempre necesitas una producción publicitaria importante con muchas horas de postproducción para vender. A los que llevamos tiempo en la fotografía esto nos puede parecer sencillo, para mi fue una lección aprendida y un mejor ejemplo de negocio.
"Foto bien hecha, muñeco de la guerra de las galaxias vendido. Foto mal hecha, perdía el dinero de subastar el producto".
Por eso cuando se vende un producto (por internet o cualquier medio) se debe valorar con más exactitud qué obtengo con mis fotografías. En ventas online, tiene casi hasta más importancia que la descripción escrita del producto.
Si funciona en mi pequeño negocio casero de Ebay, lo hará en tu zapatería, pastelería o joyería.
Si funciona en mi pequeño negocio casero de Ebay, lo hará en tu zapatería, pastelería o joyería.
